Posiblemente los héroes serían menos héroes si no dispusiesen de enemigos a su altura. Y es que los archivillanos de las series, películas, cómics y videojuegos son unos tipos normalmente odiados, aunque a veces queridos, y lo cierto es que nada sería igual sin ellos. Sin duda, se merecen un homenaje en forma de PixQuiz.
Enlace: PixQuiz: Archivillanos
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¡Suerte!
Una de las frases lapidarias que la prensa especializada ha estado soltando respecto al Tokyo Game Show del año pasado es, sin duda la que reza…
La industria japonesa está falta de ideas
La verdad es que me llama la atención, si bien no sé hasta que punto será verdadero o una mentira. Lo que sí parece cierto es que en el mundo de los videojuegos ha habido un desplazamiento del centro creativo en el mercado consolero que ya no sólo se limita a las islas japonesas. En la actual generación hemos visto a grandes títulos salir de zonas geográficas aparentemente poco videojueguiles, como Australia, Francia, Inglaterra e incluso (crucemos los dedos) España.
Franquicia japonesa, desarrollo español. ¿Y si fuese al revés?
Sin embargo, la mayoría de franquicias (si no todas) que se desarrollan para consolas procedan del entorno cultural anglo, sobre todo en lo que respecta a cómics y películas. En cualquier caso, en el mundo hispano, tanto en Europa como en América, hay muchas buenas ideas para videojuegos. Ideas que tienen que ver con un mundo cultural y creativo también rico, pero que quizás está un poco ahogado por el merchandising brutal, las figuritas, y la ediciones especiales de coleccionista que nos llegan de otras partes del mundo pero que, siendo francos, a todos nos gustan.
En este artículo me gustaría señalar algunos cómics o películas de habla hispana que me resultan interesantes para hacer un videojuego. Seguramente me dejo muchas y mejores ideas por el camino, ya que mi conocimiento del tema es limitado, sobre todo en el ámbito hispanoamericano, por lo que os animo a que hagáis vuestra aportación en los comentarios.
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Las series de animación japonesas desembarcaron en Europa a finales de la década de los años setenta por que las cadenas de televisión vieron en ellas una alternativa barata con respecto a la animación americana y una solución menos arriesgada que la producción propia.
Series como Candy Candy, Mazinger Z o Heidi entusiasmaron al público, pero el verdadero boom del anime llegó con Dragon Ball, acompañado de Captain Tsubasa, Los Caballeros del Zodiaco, Sailor Moon, Ranma 1/2…
Estas series animadas japonesas están cargadas leyendas, mitologías y curiosidades. Algunas de ellas las comento en esta nota.
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La mayoría de los que nos pasamos por Pixfans con cierta frecuencia sabemos que antes de estas consolas con impresionantes gráficos, geniales efectos de luces, partículas, shaders, filtros bilineares y anisotrópicos varios, había consolillas más… simplonas. Los lectores más viejunos recordarán esa caja gris a la que se enchufaban dos mandos cuadrados con sólo dos botones de acción y otros dos para tareas secundarias, además de la cruceta.
DuckTales para NES.
Y es que precisamente en la NES encontramos uno de los juegos plataformeros más laureados por los aficionados de entonces que adaptaba al entorno videojueguil esos dibujos animados que podíamos ver en el Club Disney los sábados por la tarde. Madre mía, qué buenos eran los dibujos y qué divertido era el videojuego de PatoAventuras (DuckTales).
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Los Guardianes del Universo (como rezaba el casposo opening español), también conocidos como Saint Seiya se convirtieron en la década de los noventa en los personajes de anime más famosos de España. ¿Qué es eso que se escucha de fondo? Ah… sólo miles de seguidores de Dragon Ball preparando bates y afilando las katanas para destruirme por blasfemar.
Mangas, animes, Ova’s… mucho se podría decir sobre Los Caballeros del Zodiaco, pero si hay algo que marcó nuestra infancia fueron sus míticas figuras vintage.
Volvamos a principios de los 90. Los Caballeros tras un escabroso paso por la cadena pública se hicieron un hueco en Telecinco junto a Miliki. La serie se transformó en un fenómeno de masas y los infantes queríamos jugosos productos de merchandising en forma de figuras para recrear a nuestra manera las brutales batallas de la tele. Entonces llegó Bandai y nos alegró la vida, aunque de una forma un tanto extraña…
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Scott Pilgrim tiene 23 años, vive en la gran ciudad con su compañero de piso gay y trata de mantenerse a flote en el mundo, Está en una banda, es perezoso y le gustan los videojuegos. Hasta aquí, la vida de Scott puede ser como la tuya o la mía, sin ningún interés especial, pero a Scott le gusta la nueva chica que acaba de llegar a la ciudad, y para ganar su corazón tiene que derrotar a sus Siete Malvados Ex-Novios.
A partir de esta base, entras en el mundo de Scott Pilgrim, un maravilloso tebeo publicado por Oni Press que, tras cinco años de éxito en América, premios varios y éxito de crítica y público, llega ahora a nuestros estantes de la mano de Mondadori. Voy a tratar de acercaros el mundo de Scott, sin destripar demasiado, porque es una de esas lecturas que mientras menos sabes cuando llegas, más disfrutas con el viaje.
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He de reconocer que me encantan el tipo de historias «Y si…». De hecho la máquina del mismo nombre creada por el Profesor Hubert J. Farnsworth en Futurama me parece un invento de la leche. Este género se llama ucronías, siendo en literatura una de las más famosas El hombre en el castillo de Philip K. Dick cuyo argumento no aporta demasiado a este post.
Ciertamente la ucronía es un elemento muy utilizado, si lo consideramos recurso literario, en cine, televisión y de forma muy especial en el mundo del cómic. Una de las novelas gráficas más aclamadas de todos los tiempos, hablo de Watchmen, es una ucronía, cómo cambia el mundo tras la llegada de Manhattan. Esto viene a que después de haber escuchado algo acerca de un cómic, me entraron las ganas de leerlo y por fin lo he conseguido. Hablo nada más y nada menos que de Superman: Hijo Rojo
Y seguramente la Historia hubiera cambiado si Superman en vez de caer en un pueblecito de Kansas llamado Smallville lo hubiese hecho en, por ejemplo, Odessa, Ucrania. Esa es la historia que podemos leer en estos tres tomos que podríamos calificar como pasado, presente y futuro. Superman: Hijo Rojo nos muestra la vida del superhéroe kriptoniano en versión soviética, con cambio de símbolo en el pecho y todo, y cómo hubiera afectado esto en la Guerra Fría. Desde la creación del personaje, éste ha sido un ejemplo de «americanismo» y defensor de la American way of life, pero ahora tenemos la posibilidad de ver a un superhéroe soviético con sus problemas, sus dudas y su eterna lucha contra el capitalismo.
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